《Inside》是丹麦游戏工作室Playdead Studios制作的一款反乌托邦末世黑暗风格的横版解密游戏。inside在2016年荣获TGA最佳独立游戏和最佳艺术指导两个奖项，后又斩获大大小小多个奖项。在数小时的体验过后，不管是这款游戏本身，还是这款游戏与玩家交互反应带来的思考、想象与情绪等附加产物，都给了我极大的震撼。

一、limbo风格的延续

《Inside》的画面风格总是能让你联想起另一部类似的作品《Limbo(地狱边境)》，而它们确实来自同一个开发商Playdead之手。不过和四年前的黑白风相比，《Inside》的画面得到了大幅度的升级，镜头由近及远有了参差错落之感，光影效果变得更加出色，色彩也更丰富——只不过那种暗色调压抑的感觉并没有变。

游戏的物理引擎给人的印象也很深刻，由玩家操控的小男孩在奔跑中急停会有趔趄，从不同高度的地方坠下也会有不同的落地反馈。而打碎玻璃、木板时炸裂的碎屑，还有在灯光下扬起的沙尘，无不让人惊叹这部作品的精细程度。

与这种画面风格相称的，还有游戏的背景音效——请注意是音效而不是音乐。倒不是说这部作品完全没有BGM，只不过在大多数情况下，它都只有空旷寂寥的环境音：比如昆虫的叫声，还有远处的风声等等。它营造出了一种清冷的氛围和孤寂的感觉——这种感觉和《Limbo》可以说一脉相承。而等到游戏进行到关键的地方，比如进入到了一个诡异的空间之后，那种恐怖片风格的背景音乐又会恰当地传入你的耳膜。这种音效和音乐穿插进行的手法，Playdead已经熟练到炉火纯青。

二、一场没有任何提示的逃生

除了开始界面的几个必须的按钮，进入游戏之后，你看不到任何常规游戏的影子：没有新手教学，没有任何UI。你就像一个刚刚降临世界的婴儿，什么都不知道。没有任何提示性的UI仿佛也在暗示着你，你将会面对一个恶意的世界，不会得到任何人的帮助。没有占据视野的UI和提示性指示增强了游戏的沉浸性，但同时也意味着玩家必须要以死亡为代价学习游戏规则。

让玩家了解游戏规则中目标是设计师的首要任务。在《Inside》中，设计师没有选择通过界面与UI这种沟通玩家与游戏世界的中间媒介来提示玩家，而是选择去除中介，让玩家在游戏中自主探索，直接与游戏世界交互与碰撞。虽然没有界面提示，但是游戏中的画面叙事、音效叙事和剧情叙事都在暗示着一个目标：逃离。

这是一个不可能一命通关的游戏。玩家必须在冒险中经历死亡，才能了解生存下去的规则，比如在水中吐出气泡三次之后，玩家将会溺水死亡，只有经历一次次溺水，才会了解这个反馈机制。游戏中刻意强化了主角的死亡表现：被恶狗撕咬的血肉淋漓、被空气炮轰击的血肉分散、被水鬼纠缠扭打后的窒息...一幕幕“生动地死亡”向玩家传达“不要再次死亡”的讯息，再次强化了游戏的目标：逃离。

三、反乌托邦的故事没有美好的结局

inside的剧情和它的画面风格一样，实在是太过朦胧了。在玩过全篇之后，你也很难弄清楚它到底讲了一个什么样的故事。相比前作《Limbo》，我们起码能知道小男孩需要在地狱里找到他失散的姐姐(或者妹妹)，而《Inside》的官方剧情介绍则是这样的：“孤身一人并遭到追击，一个男孩发现自己深深陷入了一个黑暗计划。”

我们只能从路过的场景和遇到的敌人来推断出这个故事的发生背景。它看起来像是一个反乌托邦的社会，除了小男孩和追杀他的人(貌似是警察)之外，其他所有碰到的人全都是行尸走肉。他们没有自己的思想，只是被动地跟着其他人行动，小男孩似乎是要从这个反乌托邦的社会里逃出去，但最后的结局却相当令人困惑。我必须得承认，结局把那种压抑和“致郁”的感觉完完全全地传达给了我。

在一周目的结局，当看到男孩变成的肉球滚落到悬崖底部，在海滩光芒的照射下慢慢失去生机，缩小与沉寂的时候，我的心情从获得自由的假想中抽离出来，取而代之的是不甘与落寞。追求自由的代价就是死亡吗?努力挣扎的后果也只能是坠入深渊吗?一连串的问句窜到了我的脑海当中。于是，我想更深入的思考，想要得到一个答案。

与此同时，我也意识到，玩家的这种思考、这种沉浸到游戏当中难以抽离的探求，或许也是设计师想要带给我们的。